3月8日の国際女性デーを祝して、歴史に埋もれた女性ジュエラーを掘り起こしてみることにしました。歴史を通じてデザインや芸術の成果は主に白人男性によって生み出され、または彼らに帰属されてきたことは周知の事実です。一般的にこれは、女性が教育の機会を同等に与えられず、家庭の領域に限定されていたためです。
ジュエリーの世界では、ルネ・ラリック、ルイス・コンフォート・ティファニー、ソティロス・ブルガリの成功はよく知られていますが、ジュエリーを制作した女性やジュエリーブランドを創設した女性についてはほとんど語られません。しかし、歴史の中で女性もジュエリーを作っており、女性が家庭外でほとんど見られなかった時代にも多くの確立された女性ジュエラーが存在しました。ジュエリーハウスの見習いや職人には男性だけでなく女性も多く、しかし彼女たちの功績は影に隠れてしまっています。
これを踏まえ、今日私たちが購入する作品に大きな影響を与えた女性ジュエラー、女性ジュエリーディレクター、女性ジュエリーデザイナーについてさらに詳しくご紹介します。
フィービー・アンナ・トラクエア
フィービー・アンナ・トラクエア（1852-1936）はアイルランド生まれの芸術家で、スコットランドのアーツ・アンド・クラフツ運動に関わったことで知られています。トラクエアは1920年にロイヤル・スコティッシュ・アカデミーに初めて選出された女性でもあります。
トラクエアはダンテ・ゲイブリエル・ロセッティとウィリアム・ブレイクに魅了され影響を受けており、それが彼女のジュエリー作品に影響を与えたと言えます。トラクエアは他の芸術形式も手掛け、病院や大聖堂のための刺繍を施した家庭用テキスタイルの注文制作も行いました。
地球を支えるキューピッド、エナメル装飾の金製ペンダント、フィービー・アンナ・トラクエア、約1902年、出典 - ヴィクトリア＆アルバート博物館
トラクエアの宝飾作品は非常に見事です。彼女は主にエナメル技法を用い、繊細で非常に詳細なロマンティックなレリーフを制作しました。
エルサ・ペレッティ
エルサ・ペレッティ（1940年生まれ）はイタリアの宝飾デザイナーであり元ファッションモデルです。彼女はティファニー社のために広範にデザインを手がけ、その多くの作品は現在、英国博物館やボストンおよびヒューストンの美術館のコレクションに収蔵されています。
ペレッティはインテリアデザインと建築の初期のキャリアを通じて多くの技術と芸術的な眼を学びました。1969年、5年間のモデル経験の後、彼女はニューヨークの様々なファッションデザイナーのために新しい宝飾スタイルを創作し始めました。
シルバー・スネークネックレス、エルサ・ペレッティ、約1973-34年、出典 - メトロポリタン美術館
1974年にペレッティはティファニー社と契約を結び、1979年までに同社の主要デザイナーとなりました。ペレッティはシルバーのみを使用し、当初は「一般的」と見なされていましたが、1980年代のニューヨークの社交界でこの金属を非常にファッショナブルにしました。彼女のシルバー作品は楽しいと見なされ、若い顧客層を惹きつけました。
ペレッティのシグネチャーであるシルバー作品は、しばしば翡翠、漆、ラタンを使用しています。
スザンヌ・ベルペロン
スザンヌ・ベルペロン（1900-1983）は20世紀において非常に影響力のある宝飾デザイナーでした。パリを拠点に、ベルペロンは第二次世界大戦勃発前にボワヴァンとヘルツの宝飾店で働きました。その後、彼女はヘルツ社を引き継ぎ、社名をヘルツ＝ベルペロンに改名しました。
ゴールドイヤリング、スザンヌ・ベルペロン、約1955-1970年、出典 - ヴィクトリア＆アルバート博物館
スザンヌの宝飾品製作の才能は幼少期から磨かれました。フランスの田舎町サン＝クロードで生まれたこの町は伝統的な宝石のカット技術で知られており、長い冬の間は住民全員が仕事を手伝っていました。スザンヌの母親は娘の才能を認め、彼女をベザンソンの美術学校に入学させました。
スザンヌがパリに移った際、彼女はフランスの宝飾店ボワヴァンのジャンヌ・ボワヴァンの弟子となりました。彼女の作品は曲線的で卓越しており、当時のアールデコの美学とは対照的でした。当時の他の女性とは異なり、スザンヌはわずか23歳でボワヴァン宝飾店の共同ディレクターに昇進しました。
しかし、1932年にベルペロンは辞職しました。これは彼女の仕事に対してクレジットが与えられなかったためと考えられており、これは宝飾店では一般的ではありませんでした。彼女はすぐに、パリの著名な貴石商ベルナール・ヘルツのもとで働き始め、そこで自身の創作を自由にデザインすることが許されました。
1930年代、彼女の独創的な作品はヘルツブランドに名声と称賛をもたらし、ベルペロンはフランスの主要な芸術的存在となりました。彼女の作品はカルティエ、ブシュロン、ヴァンクリーフ＆アーペルと並び、ファッション雑誌に掲載されました。
ベルペロンの作品は、エジプト、東インド、中国、日本、アフリカ、オセアニアの遠方文化に触発されたモチーフとデザインを用いています。彼女は半貴石の中に貴石をセットする技法を開拓し、より高純度のものではなく22カラットゴールドを選びました。ベルペロンは作品に署名をせず、作品自体の独創性こそがその証であると信じていました。
ベルナール・ヘルツがユダヤ人でありパリ占領下であったため、ベルペロンはヘルツブランドの完全な管理権を握りましたが、一時ゲシュタポに逮捕され尋問を受けました。ベルナール・ヘルツとその親族に関するものでした。しかし、忠実な友人として、ベルペロンは彼の住所録のページを一枚ずつ飲み込み、家族の所在を見つけられないようにしたと伝えられています。
ベルナール・ヘルツがアウシュヴィッツで亡くなった後、ベルペロンは彼の長男とビジネス関係を再開しました。
ベルペロンは宝飾の注文に際し、顧客のライフスタイルを理解し、顔の輪郭、肌の色調、手の形状を研究することで知られていました。夫の死後、ベルペロンとヘルツは1970年にヘルツ＝ベルペロン社の清算と解散に合意しました。しかし、宝飾デザイナーとしてのベルペロンの名声とレジスタンスの一員としての功績により、彼女はレジオン・ドヌール勲章を受章しました。
ジャンヌ・ボワヴァン、ジュリエット・ムタール、ジェルメーヌ・ボワヴァン
多くの人はボワヴァン宝飾ブランドをルネ・ボワヴァンの作品と認識していますが、彼の妻ジャンヌは事業内で大きく影響力のある役割を果たしました。高く評価されるパリのクチュリエ、ポール・ポワレの妹であるジャンヌ・ボワヴァンはファッション界に多くのコネクションを持ち、ボワヴァン宝飾ブランドには多くの著名な顧客がいました。しかし、1917年にルネ・ボワヴァンが亡くなり、ジャンヌがオーナーとなりました。
業界内でマダム・ボワヴァンとして知られたジャンヌは、同社の主要デザイナーとなりました。彼女のスタイルは色彩豊かで対称的、大規模かつテクスチャーのある宝飾品で、しばしばイエローゴールドで制作されました。ベルペロンと同様に、マダム・ボワヴァンの宝飾品には署名がなく、店舗は持たず、パリの予約制サロンのみを運営していました。
重要なことに、ベルペロンの委託を通じて示されたように、マダム・ボワヴァンは自社で女性の宝飾職人を起用することを好みました。ベルペロンの退社後、マダム・ボワヴァンはジュリエット・ムタールと娘のジェルメーヌ・ボワヴァンを雇用しました。これら三人の女性とベルペロンは、ボワヴァン宝飾店を支えました。ムタールの社内で最も有名な宝飾作品は、アメジストとルビーのカボションで構成されたヒトデのブローチです。
マリナB
マリナB、別名マリナ・ブルガリは、1970年代から1990年代にかけて著名なジュエリーデザイナーであり、名高い顧客のために華やかで卓越した明るいジュエリーを制作しました。1976年に家族の名門メゾンを離れ自身のジュエリーブランドを立ち上げ、その大胆で時代を超えたスタイルはすぐに注目され愛されました。
マリナBは独自の宝石カット「チェスナット」を創作し、スプリングマウント、パヴェダイヤモンド、交換可能な機能という革新的なデザイン技術を開拓しました。
ヴィヴィアン・ウエストウッド
1970年代の英国パンクシーンに大きな影響を与えた世界的に有名な英国のファッションデザイナーの一人であるヴィヴィアン・ウエストウッドは、政治活動と服飾の世界を絡めたことで知られていますが、彼女のジュエリー作品は見過ごされてきました。
実際、ウエストウッドは最初にジュエリーを通じてデザインに足を踏み入れ、ウェストミンスター大学でジュエリーと銀細工のコースを受講しました。しかし、彼女は上流階級の学生が多く疎外感を感じたため、1学期で退学しました。小学校教師となったウエストウッドは自身のジュエリー作品を制作し続け、ポートベローロードで販売しました。そこで彼女はミュージシャンであり服飾デザイナー、パンクバンドSex Pistolsのマネージャーであったマルコム・マクラーレンと出会いました。
ココ・シャネル
ヴィヴィアン・ウエストウッドのように、ココ・シャネルはジュエリーよりも服飾の世界に影響を与えた象徴的なファッションデザイナーです。しかし、ココ・シャネルは当社の「時代を超えたジュエリーインフルエンサー」ブログで取り上げられ、コスチュームジュエリーに対する世間の認識を劇的に変えました。
シャネルは現在の象徴的なシャネル・マルタ十字をデザインし、それ以来シャネルのジュエリーコレクションの主力となっています。
1932年、ココ・シャネルは初のファインジュエリーライン「ビジュー・ディアマン」を創作しましたが、当時のファインジュエリーデザイナーからは彼女のコスチュームジュエリー作品のために一部批判を受けました。しかし、このラインは大恐慌時代のダイヤモンド取引を再燃させ、支えました。
リーヌ・ヴォートラン
戦後のジュエリーアーティストであるリーヌ・ヴォートラン（1913-1997）は、若い頃からジュエリーや装飾品を制作しており、最初のプロ作品はわずか21歳の時のものです。彼女の作品は抽象的なヒエログリフ形状、視覚的な頭韻法、そして広範なイエローゴールドの使用が特徴です。
明確にモダニストであるヴォートランは、1937年のパリ国際博覧会で屋台を出したことで一躍有名になりました。彼女の彫刻的なスタイルは多くの顧客を惹きつけ、1997年の彼女の死まで作品を依頼され続けました。この博覧会での成功により、彼女はパリのベルリ通りに自身の店を開くことができ、あらゆる種類のジュエリーを制作しました。
ヴォートランの金細工と金属工芸への愛情と自然な傾倒は、若い女性にとっては異例の職業でした。彼女の成功は才能だけでなく、決意と強い独立心にも起因します。実際、彼女はシアパレリのもとで働き始めたとされますが、厳しい規則に耐えられず数日で辞めたと言われています。
1948年にVogue誌から「金属の詩人」と称されたヴォートランの作品はますます評価を高め、マレ地区のより広いスペースに移り、そこを工房兼展示スペースに変えました。1960年代には市場に登場したセルロースアセテートなどの新素材を使い始め、この時期に太陽の光芒のような見事な鏡を制作し始めました。
ヴォートランは鏡を作るという骨の折れる時間のかかる工程を愛していたことが知られています。彼女は錬金術の芸術と生命の宇宙論に興味を持ち、接触、対立、闘争を通じて美しいものを生み出す二つの原始的な物質の組み合わせに魅了されていました。
ウェンディ・ラムショー
第二次世界大戦の初めにサンダーランドで生まれたラムショーは幼い頃から芸術と工芸に興味を持ち、わずか6歳で廃材から小物を作っていました。配給制と困難な時代にもかかわらず、彼女の芸術的才能は輝きを失いませんでした。
戦後、英国での高揚感は1951年のブリテン・フェスティバルへとつながり、12歳のラムショーも参加しました。この展示会は科学、農業、文学、芸術、産業における英国の歴史的業績を祝いました。現代美術とデザインへのこの触れ合いがラムショーに創作の意欲を与え、1956年から1960年までニューカッスルでイラストレーションとファブリックデザインを学び、1961年にはレディング大学へ進みました。
ラムショーはここで将来の夫であり、ロンドンオリンピック2012のメダルをデザインした著名な英国人アーティスト、デイビッド・ワトキンスと出会いました。夫妻は共に技術とコラボレーションに取り組みました。1970年代にはアートディレクターのグラハム・ヒューズがラムショーの作品をゴールドスミス・ホールのために購入し、彼女のキャリアを飛躍させました。
ラムショーはチャータード・ソサエティ・オブ・デザイナーズとロイヤル・ソサエティ・オブ・アーツの両方のフェローシップを取得し、またウォーシップフル・カンパニー・オブ・ゴールドスミスのフリーマンとして認められた最初の女性の一人でした。1993年には芸術への貢献によりOBEを授与され、2003年にはCBEを受賞しました。
パロマ・ピカソ
パブロ・ピカソとフランソワーズ・ジローの娘であるパロマは、ティファニー・アンド・カンパニーの著名なジュエリーデザイナー兼製作者です。最も著名な芸術家二人の娘がその才能を受け継いだのは驚くべきことではありません。もともと衣装デザイナーであったパロマは、1968年にラインストーンを用いた衣装作品が批評家の注目を集めたことをきっかけに、偶然ジュエリーの世界に足を踏み入れました。これを機に彼女は正式にジュエリーデザインの教育を受けました。
1969年の1年後、彼女は友人で著名なクチュリエ、イヴ・サンローランに最初のジュエリー作品を披露し、彼はすぐに彼女に自身のコレクションのアクセサリーのデザインを依頼しました。1980年にはピカソがティファニー＆カンパニーのためにジュエリーをデザインし始めました。
アメリカの二つの博物館、スミソニアン協会国立歴史博物館とフィールド自然史博物館が彼女の作品を収蔵しています。
アルマ・ピール
歴史の中に埋もれたアルマ・テレジア・ピール＝クレー（1888-1976）は、ファベルジェで働いた二人の女性デザイナーの一人でした。金細工師クヌート・オスカー・ピールの娘であり、ファベルジェの主任宝石職人オーガスト・ホルムストロムの孫娘であったため、ジュエリーは彼女の血に流れているものでした。アルマ・ピールは1909年にファベルジェで働き始め、独学のデザイナーとしてこの業界に入りました。彼女の工房での任務は、製作される品物を実物大の図面で記録し、使用された宝石や素材を文書化し、コストも記録することでした。
この仕事は時間がかかりましたが、ピールはスケッチをデザインし続け、最終的に同じ会社で働いていた叔父の目に留まり、彼は自分のデザインと並行して彼女のデザインも工房で制作するよう依頼しました。これにより、彼女はファベルジェの最初の女性デザイナーとなりました。
彼女の「大きな転機」は、エマニュエル・ノーベル博士が顧客への贈り物として40個のブローチを依頼した時に訪れましたが、その素材は「贈賄と見なされないように重要でないものにしてほしい」という要望でした。ピールは窓の霜の結晶に触発され、プラチナ-銀合金のセッティングとローズカットダイヤモンドでこれらのブローチを制作しました。これらのブローチは顧客に大変好評で、その後同じモチーフのジュエリーを多数注文されました。
ピールは1913年に有名なウィンターイースターエッグを、1914年にモザイクイースターエッグをデザインしました。後者は現在エリザベス1世女王の王室コレクションに属しています。ウィンターイースターエッグはロマノフ王朝300周年を記念して依頼され、すべてのイースターエッグの中で最も価値があると考えられています。この卵は氷をテーマにした外装で、開くとプラチナの花かごが現れ、白いクォーツ、デマントイドガーネット、ネフライトの葉で作られたアネモネが飾られていました。
モザイクイースターエッグは元々ロシアのツァーリ、ニコライ2世のために作られ、卵を包む花柄のタペストリー模様は、当時の貴族の居間にあった刺繍の火よけスクリーンに触発されたピールによってデザインされました。
モザイクエッグ ファベルジェ、出典 - ロイヤル・コレクション・トラスト
エリザベス・ゲージ
受賞歴のあるジュエリーデザイナー、エリザベス・ゲージは50年以上にわたり非常に収集価値の高いジュエリーを制作してきました。彼女の独特なデザインはファッション誌やセレブリティの注目を集め、いくつかの作品はロンドンのヴィクトリア＆アルバート博物館の永久コレクションに収蔵されています。
エリザベス・ゲージの肖像、出典 - ウィキメディア・コモンズ
デザイナーのウェブページによると、ゲージのデザインへの愛情は幼少期から始まり、人形のために家や服などを作って楽しんでいました。これは後の人生で役立つ手先の器用さと観察眼を育みました。彼女は6年間金細工の訓練を受け、1968年にカルティエから最初の大きな依頼を受けました。生涯にわたり多くの賞を受賞しており、クイーンズ・アワード・フォー・エクスポート、英国ジュエリーデザイナー・オブ・ザ・イヤー、そしてアジャンクールリングでのデビアス・ダイヤモンド賞などがあります。
ゲージは18カラットおよび22カラットのゴールドのみを使用し、素材と宝石から湧き上がるインスピレーションに基づくデザイン手法で、多様で独特な服飾作品を生み出しています。彼女のジュエリーに対する哲学は、すべての作品が昼から夜まで身に着けられることです。
トルマリン、アクアマリン、ルビー、パール、ゴールドとエナメルのピン、エリザベス・ゲージ、約1972-1973年、出典 - ヴィクトリア＆アルバート博物館
エリザベス・トレスコウ
1898年生まれのエリザベス・トレスコウは16歳の時、週に二回ハーゲンの銀細工学校に通いました。そこから1915年にエッセンの工芸アカデミーに入学し、有名なカール・ロートミュラー教授のもとで金細工の見習いとなりました。
彼女は顆粒細工の技術を再発見する実験に専念し、1933年、1935年、1936年にドイツ金細工芸術協会の第一賞を受賞、1937年にはパリ万国博覧会で金メダルを獲得しました。1938年には、ドイツ金細工芸術協会から名誉のゴールデンリングを授与された初の女性となりました。
エリザベス・トレスコウは、男性が支配する世界に果敢に踏み込み、ドイツ・ブンデスリーガ選手権のサッカートロフィーのデザインと制作を手がけることに何のためらいもありませんでした。
第二次世界大戦後、トレスコウはケルンの工芸アカデミーで金銀細工クラスの責任者に任命されました。彼女はプロテスタントの信仰を持ちながらも、ケルン大聖堂の三賢者の聖遺物の修復という重責を委ねられました。
トレスコウスのジュエリーの注文は、顧客の個性とスタイルに基づいていました。彼女は匿名の注文を拒否し、特に顧客の髪や肌の色、顔の形、手に関心を持っていました。彼女の作品は生涯を通じて自然に変化し、初期の作品は明確に角張った幾何学的な形状を示し、晩年の作品は装飾を讃え、使用素材自体に明確な焦点を当てた豪華な構成となっていました。
教職を退いた後、彼女はドイツ連邦功労十字章とノルトライン＝ヴェストファーレン州工芸賞を受賞しました。
シャーロット・ニューマン
19世紀の女性ジュエラーであるシャーロット・ニューマンは、明らかに男性中心の世界でキャリアを築きました。彼女は自身のスタイリッシュでファッショナブルな宝飾品を制作しただけでなく、サヴィル・ロウに自身の店も経営していました。
シャーロット・ニューマンのジュエリーは、彼女のホールマーク「Mrs N」で今日でも認識されています。自身のジュエリーを制作・販売することで現代的かつ反体制的でしたが、当時の慣習として夫に従っていたとされています。今日の基準ではこれは反フェミニストと見なされるかもしれませんが、「Mrs」と署名することは、女性がこれらの作品を作っていることを示しつつ、慣習を尊重しているという重要な区別であり、賢明な判断でした。
ニューマンのジュエリー作品は典型的なヴィクトリアン様式で、古代ビザンチン様式やルネサンス復興技法を取り入れ、アール・ヌーヴォーの形状にインスピレーションを得ていました。
ニューマンの初期の人生については不明ですが、彼女のジュエラーとしての訓練は、同業のジョン・ブログデンのもとで働き始めた時に始まりました。その前にはサウスケンジントンの政府美術学校に通っていました。1884年のブログデンの死後、彼女は自身のジュエリー事業を立ち上げ、多くの職人と顧客を引き継ぎました。当時としては、女性が自分の事業を経営し、男性のグループを管理することは非常に珍しいことでした。
ニューマンは何よりもジュエラーでしたが、同時にアーティストでもありました。彼女はほとんどデザインを複製せず、顧客ごとに新しく刺激的な作品を創り出していました。
マーガレット・デ・パッタ
マーガレット・デ・パッタは1920年代のジュエラーで、スタジオアートジュエリーを制作しました。このスタイルは創造的表現を重視し、しばしば経済的価値の低い素材を使用しました。スタジオアートジュエリーの多くは1940年代から1950年代にかけて制作されましたが、その価値観と技術は19世紀のアーツ・アンド・クラフツ運動に遡ることができます。
デ・パッタのジュエリーは非常に現代的で、新鮮な様相で作られており、今日でも違和感がありません。彼女の作品にはしばしば動的要素、視覚的歪み、そして日常的な有機素材が取り入れられていました。
彼女がジュエリーの技術を学び磨いている間、モダニズム運動に深く没頭し、バウハウスや構成主義について学びました。それらは彼女のジュエリーデザインに徐々に影響を与えました。
彼女の声明的な作品は広く受け入れられませんでしたが、彼女のモダニスト作品は当時、これらの作品が新鮮で非常に価値があることを認識した限られた数の美術収集家に愛用されました。
デ・パッタは構成主義運動のユダヤ人指導者であるラズロ・モホリ＝ナジと共に仕事をし、彼は写真や映画作品に動きと光を多く取り入れていました。これがマーガレットにジュエリー制作の新たな方向性をもたらしました。
マーガレット・デ・パッタ ブローチ、約1934年、出典 - ウィキメディア・コモンズ
素材に関して言えば、デ・パッタはジュエリーにしばしば見られるファセットカットの宝石や派手な輝きには興味を示しませんでした。しかし、彼女は主にクォーツをデザインに取り入れ、その光の反射や遊び方に魅了されていました。
彼女の生物的で洗練された構造的作品は、ピカソ、エルンスト、ブラックといった当時の他のアーティストの作品と並びます。デ・パッタは素材が本来持つ特性を尊重し、それらを無理に形や様式に押し込めることはしませんでした。
マーグレット・クラヴァー
マーグレット・クラヴァーはアメリカのスタジオジュエリー業界においても推進力となりました。デ・パッタと同様に、クラヴァーはアーツ・アンド・クラフツ運動から着想を得ており、まず第一に自分はアーティストであるという認識を持ち、デザイン技術や芸術世界への感受性がアーティストとしてのアイデンティティの核であり、他者のための注文制作としてジュエリーを作るのではないという考えを重視しました。
クラヴァーは1930年代にクランブルック美術アカデミーで学び、スウェーデン王の銀細工師であるバロン・エリック・フレミングに師事しました。
マーグレット・クラヴァー ブローチ、出典 - ボストン美術館
興味深いことに、戦争中および戦間期において、退役軍人は身体的リハビリテーションの一環としてジュエリー制作を奨励され、手と目の協調性を高め、腕や手の筋力を強化しました。ジュエリーメーカーのHandy & Harmanで働いていたクラヴァーは、雇用主を説得して退役軍人向けのワークショップを教えることになりました。
マーグレット・クラヴァー ブローチ、約1969年、出典 - スミソニアン・アメリカンアートミュージアム
クラヴァーズの指導を通じて、多くの成功したポストモダンのジュエラーが誕生しました。クラヴァーは学生を助けるために絶え間なく努力することで知られており、アメリカのスタジオジュエリー運動に大きな影響を与えました。
ジャンヌ・トゥサン
1933年にカルティエの高級ジュエリー部門のディレクターを務めたジャンヌ・トゥサンは、ジュエリーデザインに劇的な変革をもたらしました。彼女の指導のもと、カルティエは抽象的なデコ様式から離れ、ハウスの特徴となった宝石をあしらった具象的な作品へと移行しました。
トゥーサンはカルティエの最も有名な作品を手掛けました。1940年に制作された檻の中の鳥はナチス占領下のパリに対する象徴であり、4年後のパリ解放の日には扉が開いた檻と飛び立つ鳥の作品が作られました。
トゥーサンはハウスを率いる間、エキゾチックなフラミンゴ、パンサー、オウムをデザインしました。パンサーはすぐにブランドの定番で最も認知された装飾となりました。パンサーの洗練され力強いイメージは、ウィンザー公爵夫人、アーガ・カーン公爵夫人、バーバラ・ハットンなど他の女性たちの心を惹きつけました。
エルザ・スキャパレリ
歴史上最も有名なデザイナーの一人であるエルザ・スキャパレリは、ファッションとアートの世界をまたぎ、当時の他のどのデザイナーもなし得なかったようにそれらを融合させました。シュルレアリスムに魅了されたスキャパレリの宝飾品は、卓越し奇抜なファッションデザインと何ら変わりませんでした。
スキャパレリの宝飾品の創作は、おそらく彼女の反逆的な留め具から始まりました。南京錠、カタツムリ、コーヒー豆、ロリポップ、果物、野菜、スプーンの形をしたボタンが彼女のドレスやジャケット、コートを飾りました。さらに、多くのクチュール作品は今日作られているものと同様に豪華に宝飾され装飾されていました。
マリアンヌ・オスティエ
ニューヨークの宝飾会社オスティエ社は、時を経て多くの賞を受賞し、夫婦であるオリバー・オスティエとマリアンヌ・オスティエが経営していました。主なデザイナーであるマリアンヌはもともとウィーンで画家兼彫刻家として活動していましたが、1938年のナチスによるオーストリア併合後、夫と共にアメリカに移住しました。
マリアンヌ・オスティエの初期の作品はクラシックなデコで、ダイヤモンドとプラチナを用いた流動的な幾何学的作品を制作し、多くはニューヨークのファッショナブルな社交界やエリート層の共感を呼びました。彼女のデザインは劇的に発展し、アールデコ運動から離れ、より流動的で金を広く取り入れるようになりました。
1966年、オスティエの宝飾品はサルバドール・ダリやジョルジュ・ブラックの作品と共に展示会に出展されました。
オスティエのメーカーマークは「MO」または「M.OSTIER」であり、彼女は1958年に「Jewels and the woman: the romance, magic and art of feminine adornment」という宝飾品に関する本を執筆しました。
オスティエ社はオリバー・オスティエの死後、1960年代後半に閉鎖され、マリアンヌは1976年に亡くなり、比較的知られていない遺産を残しました。
歴史の中で知られ、また忘れ去られた女性宝飾職人たちについての、この濃密で非常に有益な暴露記事をお読みいただきありがとうございます。
女性たちが宝飾品への情熱と才能を追い、男性中心の世界に道を切り開いた話は非常に感動的です。
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愛を込めて、
Lillicoco xo