19世紀と20世紀のフィン・ド・シエクルをつなぐ短くも重要な芸術時代であり、これはArt Nouveauの勇敢な新しいスタイルです。
Art Nouveauとは何か？
Art Nouveauは、主に長く曲がりくねった線と自然界を主要なインスピレーション源とする点で他の芸術様式と区別されます。その色彩は控えめで、重い輪郭の中に柔らかな有機的な色合いが溶け込んでいます。
Art Nouveauはフランス語で「新しい芸術」を意味し、それ以前の芸術様式からの大きな断絶を象徴しています。この名前は、ジークフリート・ビングが運営したパリの美術館Maison de l'Art Nouveau（または新しい芸術の家）に由来します。ビングは前衛芸術のフランス・ドイツのコレクターで、日本の作品に目を向けていました。彼が1895年にこのギャラリーを設立したことは、Art Nouveauの影響の中心地となりました。モダンな家具や装飾品がobjets d’artと共に展示されていました。
アール・ヌーヴォーは、19世紀を通じて支配的であった古典様式とその厳格な形式構造に対抗して生まれた美術界の運動でした。支持者たちは装飾美術を美術と同等の尊敬と崇敬の対象にしようと考えました。
1890年から1910年の間に最も人気のあった様式で、西洋諸国で異なる名称を持ちました。これらの地域的な形態は、その地域における運動を定義する特有の特徴を持っていました。
世界各地におけるアール・ヌーヴォーの基盤
名称はフランスのギャラリーに由来しますが、アール・ヌーヴォーは英国で始まりました。英国のデザイナー、ウィリアム・モリスは1880年にアーツ・アンド・クラフツ運動を先駆け、これはアール・ヌーヴォーの主要なインスピレーションの一つでした。モリスの花柄への愛好と職人の仕事への敬意は、アール・ヌーヴォーの哲学の柱として見ることができます。
英国では、アール・ヌーヴォーはモダンスタイルとしてより知られていました。スコットランドのグラスゴー・スクールは、国内におけるアール・ヌーヴォー建築の主要な推進力でした。
当時の東西間の文化的貿易の急増により、日本美術はアール・ヌーヴォーの形成に大きな影響を与えました。日本の木版画とその特徴的な「ウィップラッシュ」曲線は、ヨーロッパの芸術家たちの想像力を掻き立てました。葛飾北斎、歌川広重、歌川国貞はジャポニスムの最大の影響者でした。
Style moderne はフランスでのこの美学の別名でした。パリとナンシーの都市でこの様式が最も広まりました。これは装飾された建物、レストラン、カフェに見ることができます。
ドイツでは、この様式は1896年にジョージ・ハースによって創刊された美術雑誌Die JugendにちなんでJugendstil または「ユーススタイル」と呼ばれました。この定期刊行物は、特にグラフィックデザインの分野でアール・ヌーヴォーを国内に広める上で重要な役割を果たしました。オーストリアの芸術家たちは、Jugendstil に似た様式であるSecessionsstil またはウィーン分離派を発展させました。
Stile Liberty はイタリアでアール・ヌーヴォーが知られていた名称です。この名前はイギリスの百貨店Liberty & Co.に由来します。
スペインでは、Modernismo またはカタルーニャ語でModernisme として知られ、カタルーニャ民族主義への特別な関心に基づく独自の特色がありました。
ベルギーのアーティストたちはこれをStyle nouille またはStyle coup de fouet. と呼びました。建築家ヴィクトル・ホルタはベルギーにおけるこの運動の最前線に立っていました。
Nieuwe Kunst はオランダでの名称でした。この「新しい芸術」は建築において機能性と装飾性の両極端に表現されました。
Still modern は、1898年に「芸術の世界」が発行されることで、特にモスクワとサンクトペテルブルクでロシアで普及したスタイルでした。このアール・ヌーヴォーの表現はロシアの民俗学に触発されました。
アメリカ合衆国では、アーティスト兼デザイナーのルイス・コンフォート・ティファニーがアール・ヌーヴォー運動を彼のガラス作品を通じて牽引しました。彼の会社の強い評判と製品の普及により、アメリカではアール・ヌーヴォーはティファニースタイルとして知られるようになりました。
視覚芸術におけるアール・ヌーヴォー
テキスタイルはアール・ヌーヴォーの普及に重要な役割を果たしました。Liberty & Co.は花柄や自然を基にした幾何学的なデザインのテキスタイルを多数販売しました。これらの多くのデザインはウィリアム・モリス、マーガレット・マクドナルド・マッキントッシュ、シルバースタジオ、グラスゴー・スクールの創造力から生まれました。
ユージン・グラセットのLa Plante et ses applications ornamentales は、植物を装飾モチーフとして用いる権威ある書籍でした。民俗学もまた、タペストリーや刺繍などの装飾品に多くの創造的なデザインをもたらしました。
アール・ヌーヴォーが主流に受け入れられるもう一つの要因はグラフィックデザインでした。1798年のカラーリトグラフの登場により、広告におけるカラーポスターの使用が広まりました。これは小売百貨店の台頭と重なります。アーティストたちはアール・ヌーヴォー様式でこれらのポスターをデザインし、主に花に囲まれた魅力的な女性を描きました。書籍の表紙や雑誌のイラストは、太くしなやかな線で描かれた複雑なパターンで読者の目を引きつけ、維持しなければなりませんでした。
イギリスのオーブリー・ビアズリー、フランスのユージン・グラセット、オーストリア＝ハンガリー帝国のアルフォンス・ミュシャ、ウィーンのコロマン・モーザーは、アール・ヌーヴォーのグラフィックアートにおける著名な人物の一部でした。
酸エッチング、吹きガラス、着色、象嵌などのガラス製作技術の進歩は、アール・ヌーヴォーのガラス芸術の普及に不可欠でした。
Emille Galléと兄弟のAugusteおよびAntonin Daumは、フランスのガラス工芸界をリードし、花柄のステンドグラス窓を持つアール・ヌーヴォーの家々があるナンシーに拠点を置いていました。
Louis Comfort Tiffanyのガラス着色の革新は、Favrileガラスのランプシェードから放たれる輝きを生み出しました。この技法はアール・ヌーヴォーが掲げた美術と応用美術の調和を際立たせました。
この運動は美術と装飾美術の平等を目指したため、絵画はより実用的な役割を担いました。建築、インテリアデザイン、さらには家具デザインを補完し、建物の内外に統一感のある外観をもたらしました。単独の作品として明確に制作された絵画は、幻想的な女性らしさを描いていました。
グスタフ・クリムトはアール・ヌーヴォーのウィーン分派の主要な画家の一人でした。彼はウィーンの建築内部をその絵画の技術で飾りました。
この時期、陶磁器製作は技術的な革新、東アジアの影響、建築への応用を見ました。フッ化水素酸エッチングやマット釉薬は当時流行した技法の一部です。
中国と日本の花をあしらった陶磁器のデザインはヨーロッパの陶器の模様に影響を与えました。Alexandre Bigotの会社は建物の外装および内装用のテラコッタタイルと装飾を製造しました。
アール・ヌーヴォー建築
建築家で歴史家のEugène Emmanuel Viollet-le-Ducは1872年にEntretiens sur l'architecture を出版し、当時の最新技術と装飾と機能の統一に基づく「新しい建築」を提唱しました。この信念はアール・ヌーヴォー建築運動全体に反映されました。
産業時代が大きく箱型の建物を持つ都市を生み出す中、建築家たちは複雑な製作技術を活用しつつ、自然の美しさをデザインに取り入れようと模索しました。
ファサードには花、植物、動物の形のあらゆる装飾が施されました。非対称性が過去の建物の均一な外観に対抗して受け入れられました。住宅、商業施設、公共機関はまるで地面から生えたかのように見えるように作られました。
当時の視覚芸術の鞭のような線描は、放物線および双曲線のアーチや有機的な装飾に取り入れられました。露出した鍛鉄と自然の形に成形されたガラスが外観を際立たせ、動きと生命感を呼び起こしました。テラコッタの彫刻や陶器のタイルが内部を温かみと色彩で彩りました。
これらの装飾は、アール・ヌーヴォーのデザイン目標を達成するために、構造のあらゆるレンガやモルタルと同じくらい厳密に扱われました。建物とその装飾は一体と見なされました。
ヴィクトル・ホルタはベルギーにおけるこの様式の第一人者でした。彼のブリュッセルのオテル・タッセルとオテル・ソルヴェイの設計は、植生とそれが地上でどのように変化し空間を占めるかへの構造的な賛歌でした。
フランスの建築家エクトール・ギマールは、オテル・タッセルを訪れた後にホルタの作品からインスピレーションを得ました。ギマールはパリの豪華なアパートであるカステル・ベランジェの設計に同様の原則を適用しました。その後、フランス政府は彼に1900年に開業予定のパリ・メトロの入口の設計を依頼しました。種子のさやや豆の芽を思わせる精巧なガラスと鉄の装飾は、今日もパリの通勤者を迎えています。
スペイン・バルセロナのアントニ・ガウディは、アール・ヌーヴォー建築のもう一人の巨匠です。カサ・ミラは石と鉄を組み合わせて制御された曲線的な混沌を表現しています。カサ・バトリョは曲線を描く鉄とガラスのベニヤで異世界の建造物のようにそびえ立ち、「骨の家」という名前にふさわしい姿をしています。
大西洋の向こう側では、ルイス・ヘンリー・サリバンがウェインライト・ビルディング、ギャランティ・ビルディング、シカゴ証券取引所の植物的かつハニカム状のデザインで建築史に名を刻みました。
ノルウェーのオーレスンは1904年に大規模な火災に見舞われたため、町はほぼ完全にアール・ヌーヴォー様式で再建されました。
アール・ヌーヴォー・ファッション
アール・ヌーヴォーのファッションへの影響は、名高いパリのクチュールハウスの台頭と結びついています。シャンブル・シンディカル・ド・ラ・クチュール・パリジェンヌは、適切なクチュールハウスが従うべきビジネス構造を組織しました。これにより、パリをファッションの最高峰として推進する協力体制が生まれました。この動きはアール・ヌーヴォー運動の時期に起こり、そのスタイルはクチュリエのデザインに反映され、世界のエリートだけが着用する特権を持ちました。
クチュリエたちはアール・ヌーヴォーの感性を最もイブニングウェアに注ぎ込みました。イブニングドレスは装飾美術の領域に属し、精巧な花の刺繍、アップリケ、レースのトリミングが施されました。S字カーブは依然として人気のシルエットであり、しなやかな「新しい芸術」美学に完璧に適合しました。
きついコルセットを廃し、より柔らかく自然なシルエットへの移行がありました。ジェンダーの曖昧さと快適さがデザインの目標となり、女性のクチュリエは男性の仕立て服からインスピレーションを得ていました。
当時の著名なデザイナーには、ハウス・オブ・ワースのジャン＝フィリップ・ワース、ポール・ポワレ、ジャンヌ・パカンなどがいました。彼らの作品は、アール・ヌーヴォーファッションの贅沢さ、美しさ、そして実験性を体現していました。
Les Modes、La Mode Illustrée、The Ladies Fieldのような権威あるファッション雑誌は、上流階級および中流階級の女性に服装スタイルを広める上で重要でした。
アール・ヌーヴォーのジュエリー
アール・ヌーヴォーのジュエリーのテーマは、運動の全体的なスタイルに従っていました。植物、動物、そして女性の形が称賛されました。デザインと宝石を取り巻く色の調和は、貴重な石自体と同じかそれ以上に重要でした。宝飾職人は典型的な作品にとらわれず、扇子、懐中時計、櫛などのアクセサリーを美しく仕上げる技術を発揮しました。
人気のある自然のモチーフは、鳥や蝶やトンボのような翼のある昆虫でした。女性はペンダント付きのネックレスのような華やかな作品や、カメオのような控えめな作品に多く登場し、幻想的で時には官能的な形態をとりました。長く流れる髪は、アール・ヌーヴォーを特徴づける印象的な曲線となりました。
以前の時代ではダイヤモンドがジュエリーの主役でしたが、アール・ヌーヴォー運動の間には、アゲート、アクアマリン、オパールなどのよりカラフルな宝石に取って代わられました。バロックパールもその目を引く大きさと形で流行しました。加熱した角や彫刻された象牙などの素材も新しい作品を生み出すために使われました。
エナメル技法もより重要になりました。plique-à-jourのエナメル技法は光を通すことができ、デザインに透明感を加えました。
ルネ・ラリックは当時最も多作なジュエリーデザイナーでした。彼はルイ・オコックの弟子であり、オコックは初期のアール・ヌーヴォージュエリーの重要人物で、パリの彼の工房は業界で高く評価されていました。
ラリックの成功は、舞台および映画女優サラ・ベルナールの彼の作品への後援に大きく依存していました。ベルナールの名声はラリックのジュエリーを名声と富に結びつけました。ラリックや同時代の作家の作品からあふれる過剰さは、ベルナールのような上流社会の人々だけがそのような贅沢品を手に入れられることを意味していました。
富裕層との結びつき、そしてその壊れやすさもあり、アール・ヌーヴォーのジュエリーはスタイル運動全体と同様に一過性の流行となりました。限られた人だけが身に着けることができ、簡単に脇に置かれ、objet d'artとして見なされました。
アール・ヌーヴォーの突然の終焉
アール・ヌーヴォーにおける職人技の美の追求と装飾の優先は、最終的に批評家の目には装飾過多と映りました。贅沢すぎて軽薄と見なされました。一般大衆はこの様式で作られた作品にほとんどアクセスできず、日常の人々の芸術観に大きな変化をもたらすことはありませんでした。
アール・ヌーヴォーは第一次世界大戦前にすぐに廃れ、1920年代から30年代の戦間期に登場したよりシンプルなデザインと幅広い魅力を持つアールデコに取って代わられました。