アールデコとは何か？
アールデコは19世紀末から20世紀初頭のアール・ヌーヴォー運動への反応として生まれました。アール・ヌーヴォーは有機的で曲線的な美学を特徴とし、幾何学的形状を強調したクリーンで角張った対称的な形態と明確に区分された色彩を持っていました。この様式は機能的な物にシンプルな装飾デザインを融合させています。
この名称はArts Décoratifsというフレーズの短縮形で、1925年にフランス・パリで開催されたExposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernesという美術展に由来します。この様式自体は展示会以前からパリの商業建築や公共建築で既に用いられていましたが、このイベントがアールデコを世界中の芸術家や美学者の注目に引き上げました。
アールデコ様式の初期の作品は、希少な素材（例：エボニー、象牙、角、プラチナ）や珍しい素材（例：シマウマの毛皮やサメの皮）を用いて、贅沢さと魅力を放っていました。1929年以降の世界恐慌の混乱の中で、鋼鉄、プラスチック、クローム、ガラスなどの一般的な素材がより頻繁に使われるようになりました。
アールデコは様々な源からインスピレーションを得ました。特にキュビスム、すなわち1900年代にパブロ・ピカソとジョルジュ・ブラックによって開拓された、現実を大胆で幾何学的な形態に分解する芸術様式に大きな影響を受けました。西洋以外の芸術もアールデコの美学に影響を与え、とりわけアステカや古代エジプトのものが顕著です。
進歩の精神を捉えるために、アールデコは機械に目を向けました。世界的な工業化は人々の生活様式を急速に変革し、当時の芸術家たちは大量生産の効率性とそれが一般市民に与えた影響を称賛しました。
列車、オーシャンライナー、自動車は産業の象徴であり、そのデザインはアールデコ支持者の正式な哲学に浸透しました。
視覚芸術におけるアールデコ
大衆の想像力を捉える芸術を作るという考え方で、グラフィックアーティストはアールデコが放つ現代性の雰囲気を大いに活用しました。
1920年代と30年代の旅行、イベント、最新製品を宣伝するポスターは、当時アール・モダンとして知られていたスタイルのすべての特徴を帯びていました。自動車の車輪や列車の「スピードひげ」は前進を表し、エアブラシで描かれた金属は技術の約束を示しました。
最新の雑誌の表紙は、大きなブロックと平行線で明るく鮮やかな単色で目を引きました。タイポグラフィは洗練され大胆で、強くシンプルなメッセージを読者に伝えました。
高貴な社会と一般大衆から何世紀にもわたって敬意を受けてきた絵画の美術は、アールデコの最盛期にスポットライトから退きました。当時のスタイルの主な目的は他の作品を際立たせることであったため、絵画はこれらの施設内で行われる仕事を補完する形で建物に組み込まれました。
多くのそのような絵画は壁画の形をとりました。ジャン・デュパ、ロックウェル・ケント、ディエゴ・リベラなどの画家は、時間と空間を超えて動く人々を描きました。
タマラ・ド・レンピッカは、裕福で有名な人々のアールデコ肖像画で際立っていました。
もう一つの古典的な視覚芸術として、彫刻はアールデコの高度に機能的なデザイン目標においてより多く用いられました。
彫像はそびえ立ち注目を集め、当時の建築が忙しい都市や賑わう公共の場に課した印象的な姿とよく調和します。中でもポール・ランドウスキーのキリスト・ザ・リディーマーは、コルコバード山の頂上からリオデジャネイロの人々を見下ろし、際立っていました。
より小規模なアールデコの彫刻も周囲に強い印象を与えました。私企業のサロンやロビーには、理想化され英雄的な姿勢をとる小像やレリーフが配されました。
アールデコ建築
1920年代までに工業化が進み、都市は商業、居住、娯楽の中心地となりました。これらの都市の建物は、人や企業を収容する物理的構造であるだけでなく、進歩の巨大な象徴としても機能し、特に第一次世界大戦後の未来への期待を約束しました。アールデコはその壮麗さと約束をもってそのビジョンを売り込みました。
建築の領域で近代性の精神を体現したのは、アメリカの主要都市に建てられた超高層ビルでした。ニューヨーク市は最も高い建物を誇り、すべてアールデコ様式で設計されました。最も象徴的なのはエンパイア・ステート・ビルディングですが、クライスラービルやロックフェラーセンターも有名な例です。これらはすべて、清潔なラインが高くそびえ、頂上に尖塔や幾何学模様が施されている力強さを示しています。
娯楽施設は、垂直に並ぶ平行線と壮大な内装により、大胆で鮮やかな色彩で観客の注意を引きました。音響の商業的実用化により映画は大きな魅力となり、より多くの観客を収容する必要が生じました。そのため「ムービーパレス」が建設され、最大数千人を収容できるものもありました。
パリのグラン・レックスは、アールデコ建築の垂直性を象徴する塔を備えていました。ハリウッドのグラウマン・エジプシャン・シアターは、その名の通りエジプトのイメージをふんだんに用いて建設され、異国趣味を通じて映画観客を別世界へと誘いました。
一方、ニューヨーク市のラジオシティ・ミュージックホールは初期の頃に最大6,015人もの観客を収容でき、その後も1932年の開業時と変わらず健在です。
これらの建物の能力と同様に注目すべきは、そのホールを飾った内装デザインでした。
色付き大理石と陶器の組み合わせがステンドグラスや磨かれたステンレス鋼と調和して豊富に用いられました。人間の姿のレリーフや繰り返されるシェブロンやジグザグ模様が壮大な壁画を補完しました。象牙や真珠母貝を象嵌した彫刻や家具が内装を引き立てました。
しかしながら大恐慌はアールデコ建築の豪華なデザインに冷静な影響を与えました。経済が劇的に悪化する中、建設はより実用的で控えめでなければなりませんでした。装飾を抑えた美学志向のもと、ストリームライン・モダンは1930年代にアールデコに続く建築様式となりました。
ストリームライン・モダンはアールデコのシンプルさと現代的な洗練の概念的基盤を持ちながらも、強い角度や鮮やかな色彩を滑らかな曲線と抑えた白に置き換えました。
垂直性は長い水平線に取って代わられました。空力学は技術の進歩において重要であり、それはストリームライン・モダン様式の建築に反映されました。この芸術哲学の建築家たちは海洋デザインからも着想を得て、輸送ターミナルに手すりや舷窓を取り入れました。
アールデコファッション
豪華さと技術革新は確かに華やかな1920年代の特徴でしたが、この時代は特に女性にとって重要な社会的進歩の時代でもありました。
世界中で女性参政権が前の10年で勢いを増し、1920年代までに多くの国で女性の投票権が確立されました。政治的・文化的な影響力が増す中、より多くの女性が社会が押し付けた伝統的なイメージから解放され始め、その自由はファッションの領域で最も明確に表現されました。
きついウエストライン、大きな髪型、豊かな胸元、手の込んだ仕立てのドレスは、筒状のシルエット、短いヘアカット、より高いヘムライン、大量生産の生地に取って代わられました。
ファッション雑誌が流行し、ジャンヌ・ランバンやポール・ポワレの最新の服飾アイデアが階級を超えて女性たちの手により早く広まりました。映画スターが誕生し、すべての女性が真似したいトレンドを生み出しました。ジャズエイジはクラブやスピークイージーで盛り上がり、女性たちは外出し、アールデコを身にまとい生活していました。
アールデコのファッショナブルな女性を象徴するのはフラッパーのイメージです。流線型のノースリーブドレス、特徴的な色彩、そして装飾的なアクセサリーがすべてヴィンテージのフラッパールックを形作っています。
1920年代と30年代の女性ファッションに対するハリウッドの影響も過小評価できません。銀幕のアイドルたちの魅力は新鮮でした。トップ女優たちが上流社会のイベントで着用したものが、富裕層の女性たちの服装の基準となりました。
アールデコのすべてに共通するように、ドレスには角度が際立っていました。生地や装飾は豊かで反射的でした。ガウンは床まで流れるように広がっていました。
この時期にココ・シャネルのおかげで「スポーツウェア」というスタイルも始まりました。女性がスポーツやレジャー活動に参加する傾向が高まる中、機能的で快適かつスタイリッシュな服装の必要性が生まれました。したがって、綿のような軽量生地、通気性の良いズボン、男性的なジャケットが市場に導入されました。
ドレスは比較的すっきりしていましたが、女性たちはアクセサリーで飾り立てました。クロッシェハットは必須で、羽根、房飾り、ブローチで飾られました。女性は公の場で化粧をしたため、コンパクトは見栄えが良くなければなりませんでした。ドレスやハンドバッグにはスパンコールやビーズが揺れていました。
ファッションが到達した贅沢な高みはやがて大恐慌によって低く抑えられました。しかしながら、これはアールデコに伴う大胆さの完全な後退を意味するものではありませんでした。
ヘムラインが下がり装飾が減少する一方で、女性たちは自分で服を縫うことでフィットしたドレスが再び流行しました。また、手頃でスタイリッシュなアイテムを揃えた百貨店のカタログから既製服を選ぶ選択肢も得ました。
アールデコジュエリー
戦後の繁栄は人々が身に着ける宝飾品の多様性に反映され、アールデコジュエリーは光沢があり、色彩豊かでエキゾチックでした。
ダイヤモンドは過去数十年にわたり宝飾品を飾る主要な宝石であったため、時代の変化を示すために明るい色の宝石やオニキス、黒のエナメルが求められました。
エメラルド、翡翠、珊瑚、ラピスラズリ、ターコイズなどが金に象嵌され、東アジアやエジプトの影響が西洋世界に伝わりました。
しかしながら、これによってダイヤモンドの支配は止まりませんでした。プラチナはその展延性と耐久性から、ベースメタルとしてより一般的になりました。清潔でクロマティックな光沢はダイヤモンドの輝きを補完し、贅沢なオールホワイトの美学を生み出しました。ホワイトゴールドはダイヤモンドのパートナーとして人気の代替品となりました。オニキスの深い黒はダイヤモンドの輝きと鮮やかな対比を成しました。
金属加工と宝石カットの技術進歩により、より精緻で対称的な幾何学模様—アールデコの特徴—がジュエリーに現れました。ダイキャスト機械により複雑なフィリグリーのデザインが可能になりました。宝石はカスタムジュエリーのデザインに合わせてカットされ、これをカリブレカットと呼びます。
マザーオブパール、磨かれた金属、彫刻されたガラス、さらにはボールベアリングなど、この時代のジュエリー製作に使われた珍しい素材の一部です。
ジュエリーは女性のファッションの劇的な変化を補完しました。精巧な作品は流線型で縮小されたドレスのアクセントとなりました。揺れるイヤリングはショートカットの華やかな顔立ちを引き立てました。長いパールのネックレスは深いネックラインや露出した背中にかかりました。ペンダントウォッチは多くの女性の首から揺れていました。
ブレスレットやバングルが素肌の腕を飾りました。腕時計は第一次世界大戦で男性が使う高機能な道具から、女性のための宝石をあしらったファッションピースへと変わりました。カクテルリングも女性のジュエリーセットで重要なアクセサリーでした。
アールデコ シガレットケース、1920年代
(Source: 1stdibs)
女性が公共の場で喫煙を楽しむようになると、シガレットホルダーやケースも富裕層のイメージを強調する必要がありました。ジュエリーハウスは幾何学模様や東アジアのデザインを取り入れ、貴石を埋め込んでこれらのアイテムを製作しました。
アールデコの終焉と復活
大恐慌が1930年代のアールデコの活気を鈍らせたものの、この様式は適応しました。第二次世界大戦の大災害が最終的にアールデコの華やかさと文化・社会への影響を終わらせました。その後に続いたのは、より控えめで均一なモダニズムのスタイリングでした。
アールデコは1960年代に復興を遂げました。特に美術史家ビーヴィス・ヒリアーが著書Art Deco of the 20s and 30sでこの様式の作品を記録してからです。アールデコは現代性に対する常に楽観的な見方を持ち、今日のグラフィックデザイン、ファッション、家具デザインの世界でスタイルのインスピレーションとなり続けています。